Francisco Rocha, Sao Paulo 09 septiembre 2022

Las Calaveras Mexicanas salidas de las manos de Perla Arroyo tenían que ser bellas, es parte de su naturaleza crear objetos armoniosos y estéticamente agradables. Pero la belleza también puede ser terrible y, en este sentido, sus obras despojan de su barniz almibarado al estereotipo que les ha dado forma en los últimos años. No son calaveras con un maquillaje lindo, sus cuencas vacías nos recuerdan la realidad de la muerte, y sus dientes reflejan la crudeza de la muerte que es el pan de cada día en México. Arroyo no cae en los discursos femeninos clásicos y crea voces frescas para esos cráneos, al tiempo que rescata y recrea historias que ya conocemos desde una perspectiva nueva y, al mismo tiempo, reconquistando la imagen colonizadora del memento mori europeo clásico (el cráneo humano) por medio de elementos simbólicos mexicanos.

En el caso de la Coyolxauhqui recurre al sincretismo que caracteriza a las religiones y artes mexicanas. Su corona recuerda al halo de la Virgen del Pilar. Las auras no son exclusivas de la religión católica y pueden relacionarse a la fuerza espiritual, en este caso, la aureola formada de ¿lanzas? ¿cuchillos? representa la fuerza guerrera de Coyolxauhqui, además de tener inscrito el año 0 (cero) mexica, fecha de nacimiento de su hermano Huitzilopochtli, lo que incluso puede considerarse como un mal augurio en la ideología mexica, ya que nacer para matar era contrario a la dualidad y equidad de las fuerzas dicotómicas que convivían en armonía en la naturaleza, antes de que se impusiera el sangriento modelo imperialista azteca. Esta calavera está rematada con unas manos fuertes, casi masculinas, capaces de levantar un hijo o un mazo de obsidiana por igual.

Los senos plenos e intactos revelan su proceso de encarnación. Al igual que la Coyolxauhqui en las representaciones prehispánicas, no muestra señal de haber perdido el corazón en un sacrificio. En el hombro carga un ajolote, un animal cargado de simbolismo y cuyo enigmático rostro inspiró a Cortázar para dedicarle un cuento. Otro dato curioso de los ajolotes es que tienen la capacidad de regenerar “huesos, músculos y nervios en los lugares apropiados”, incluso son capaces de regenerar su médula espinal. ¹

En la mitología azteca, Coyolxauhqui fue sacrificada por Huitzilopochtli, que la decapitó, descuartizó y esparció sus miembros.

Así pues, la Coyolxauhqui de Arroyo también puede interpretarse como una imagen de renovación, de reconstrucción propia. La escritora Gloria Anzaldúa llama al proceso de escritura “armar de nuevo a Coyolxauhqui”², juntar los huesos, carne y ligamentos que componen una historia para darle una forma final coherente. Por extensión, Anzaldúa llama “imperativo Coyolxauhqui” a los diferentes procesos de reconstrucción psíquica, cultural y emocional.

En el pecho se ve una mariposa que en Grecia (y en Japón) simboliza el alma, e incluso la palabra para alma y mariposa es la misma en griego: psyché. En las naturalezas muertas del tipo vanitas oruga, crisálida y mariposa representan vida, muerte y resurrección³. La mariposa también es representación de Oyá o Iansã en las religiones africanas y afrobrasileñas, que, además de creer en la reencarnación, también consideran a la vida como una secuencia de ciclos, y cada vez que un ciclo concluye, se alcanza un crecimiento espiritual. A este proceso se le llama Balé de Iansã.

Según las investigaciones arqueológicas de la historia prehispánica, Coyolxauhqui fue castigada por enfrentar el poder masculino de Huitzilopochtli, e incluso se refuerza esa imagen de lo masculino que anula por la fuerza a lo femenino que recurre a la magia negra u otras artes misteriosas para conseguir sus objetivos.4 En contraste con esa conocida imagen de la Coyolxauhqui destrozada y vencida, forjada por la moral cristiana española sin piedad ni profundidad, -dado que el sacrificio de una guerrera como ella representó un gran honor a la fuerza de los femenino-, Arroyo nos trae la imagen de una fuerza espiritual recuperada y renovada. Una victoria surgida de la derrota con la que, cualquiera que haya sufrido alguna caída emocional y haya salido de ella, puede identificarse, sin importar género o edad. Por lo tanto, no puedo finalizar este texto sin dejar de agradecer a Perla esa riqueza, conocimiento y profundidad que da a las calaveras mexicanas y que alimentan mente y espíritu, ya que con su obra, remite a las filosofías que consideran a la muerte como parte íntima del ciclo de la vida, una no puede existir sin la otra, y nos regala una aguda reflexión sobre la muerte para que podamos hacer una aguda reflexión sobre la vida.

¹ Ver https://www.bbc.com/mundo/noticias-42918181

² Anzaldúa, Gloria. Light in the dark = Luz en lo oscuro: rewriting identity, spirituality, reality. Duke University Press: Durham, Carolina del Norte, EUA. 2015. P. 107.

³ Hall, James. Illustrated Dictionary of Symbols in Eastern and Western Art. West View Press, Colorado. 1994. P. 14.

⁴ Klein, Cecilia. Fighting with Feminity: Gender and War in Aztec Mexico. Estudios de Cultura Náhuatl. Núm. 24. 1994. P. 225.

Elsa Arroyo, CDMX, 1 de diciembre de 2022

…sigan tu sombra en busca de tu día
los que, con verdes vidrios por anteojos
todo lo ven pintado a su deseo;
que yo, más cuerda en la fortuna mía,
tengo en entraambas manos ambos ojos
y solamente lo que toco veo.

Sor Juana Inés de la Cruz (c.1648-1695)

Decidí escribir estas breves líneas sobre una de las piezas de la serie Calavera Mexicana de Perla Arroyo por dos razones fundamentales: porque celebro con agrado la producción de una artista a quien conozco desde siempre –creadora desde chiquita– y porque su trabajo atiende a un problema que no es personal, íntimo o privado sino que concierne a la situación del arte de nuestro tiempo. Su indagación es de tipo histórico al explorar la relación que existe entre el universo conceptual del diseño y los medios masivos de comunicación con el del proceso creativo del arte tridimensional desde la manipulación de la materia y su potencial creativo.

Me refiero a la materialización de una idea sobre la escultura contemporánea que nace como un proyecto digital, y luego se transforma en algo físico que inmediatamente activa la operación de su agencia o la capacidad que tienen los objetos de producir respuestas sociales. Así he visto nacer este proyecto, de una imagen digital al render, de ahí a la impresión 3D y luego a la integración de otras partes modeladas con cables de acero y plastilina. Al final, el vaciado en bronce a la cera perdida no nos deja más que los diferentes prototipos y fragmentos retorcidos que se fueron apilando en el banco de trabajo, ya sustituídos por el modelo acabado. Hay un lugar donde los programas informáticos son insuficientes o al menos se resisten a reproducir las intencionalidades del cerebro y los artificios de la mano. Así lo sabe Perla cuando sostiene que todas sus tallas y modelados acaban inscritos en un mismo sistema de proporción.

​Con su obra Sor Juana Inés de la Cruz, la artista defiende el lugar donde se interpelan los universos del significado del arte y de la historia, a través de la construcción de un relato visual que integra una sucesión de seis signos que representan a un personaje o un motivo nodal para la historia de México desde una postura irónica y mordaz sobre la muerte. Coyolxauhqui, Xolo, Mujer tehuana, Coatlicue, Diego-Frida y Sor Juana, estas seis efemérides de bronce de lujoso bruñido y tactilidad sedosa son también un grito feminista, una resonancia eterna a la identidad de lo femenino. Y más que en las otras entregas, en Sor Juana la calavera mexicana es como una bicha parturienta que grita al dar a luz a sí misma. Pero es el grito desafiante de una guerrera. No tiene miedo de morir en el parto. Tengo para mí que el acontecimiento que se recuerda en este eterno retorno de la historia en espiral es el nacimiento de una mujer que no nació de la costilla de Adán sino de aquella que se sabe un cuerpo emancipado, materia biológica en movimiento capaz de decidir, adaptarse, transformarse y construir una miriada de legados.

​Queda por establecer, sin embargo, la temática de la escultura que por momentos pareciera un capricho barroco, una pieza casi imposible como ejercicio de este género escultórico contemporáneo ya desafiante de las convenciones representativas del tema. La admiración por la afamada poetisa mexicana es de larga data. Desde la misma época virreinal el canónigo letrado Juan Ignacio de Castorena y Ursúa Goyeneche y Villarreal (1668-1733) se encargó de supervisar y editar la primera compilación de las obras de Sor Juana para la publicación en el año de 1700 del volumen Fama y obras póstumas del Fénix de Mexico, Décima Musa, Poetisa Americana Sor Juana Inés de la Cruz (impreso en Madrid por Manuel Ruiz de Murga).

En efecto, con esta pieza la autora interpreta y homenajea las formas y operaciones conceptuales del barroco que –como opuesto a la cultura clásica grecorromana–, están relacionadas con manifestaciones artísticas exageradas en su ornamentación, exuberantes, que apelan a un sentido teatral de la representación visual para engañar y comprometer emocionalmente al espectador. También la cronología que abarca “lo barroco” asistió al surgimiento de obras de acento naturalista basadas en el desarrollo de la ciencia óptica, la cartografía y la astronomía, así como en la aplicación de los instrumentos de visión, como los lentes de aumento, el microscopio y el telescopio para la creación de imágenes.

Por su abrazo a la ilusión, la exuberancia y el lujo, esta obra no puede ser más que un emblema, divisa o representación simbólica del barroco. Y desde este valor exige de sus audiencias una mirada más atenta a los detalles, como ese cabujón de obsidiana con vetas doradas que remite a la fuente básica de su materialidad escultórica: su naturaleza inorgánica explotada desde la prehistoria por los artesanos de las imágenes. Es ahí en las incrustaciones donde la artista también nos grita su nombre a través del uso de las piedras preciosas como si fuera un seudónimo.

Después de muchos años de tener la pantalla del ordenador como su prinicipal herramienta, Perla decidió apostar por lo tangible en una serie que concatena tanto la visualidad como lo corporal y lo táctil. En su proyecto advierto que, como lo dice el famoso soneto que rotula estas notas, sus efigies equilibran los principios de un proceso creativo donde la voluntad de creer en la materia se impone frente al asecho insoportable de dudar.